Carlos Álvarez Hirt

Carlos Álvarez Hirt (1991)

Instagram: rostrosymundos

Nací en Madrid en 1991, soy licenciado en Filosofía y en Historia por la UCM y desde los nueve años la pintura ha sido una constante en mi vida. En el ámbito laboral he ejercido la docencia como profesor de diferentes materias del área de Humanidades a nivel particular para alumnos de ESO y Bachillerato.  También he impartido e imparto actualmente varios talleres de ajedrez infantil. 

En lo que se refiere a la pintura, desde el año 2000, con 9 años, tuve la ocasión de asistir a una escuela de pintura para niños y adolescentes: ALBÍN. Allí permanecí aprendiendo a expresar mediante el arte todo lo que me rodeaba hasta el año 2012. Posteriormente proseguí trabajando en solitario y acudiendo a la Academia de Dibujo y Pintura ARCHITEKT, en la que continué mi formación a nivel más técnico. En 2021 comencé mi andadura en De Cinti Villalón. En esta escuela pude llevar mi producción a un nivel mucho más perfeccionado y potente, gracias al rigor técnico y a la capacidad pedagógica de los maestros que imparten en este lugar.

«A hombros de gigantes», óleo sobre lienzo, 90×90 cm., 2024.

Obra en la Colección privada de Gabriela Salzmann, Madrid.

El Realismo

Mi concepción de la pintura y del arte en general es realista. Esto no quiere decir que desprecie el arte abstracto ni mucho menos las vías expresionistas o impresionistas para relacionarse con la realidad. En mi opinión, el realismo no se reduce meramente a una adecuación con la apariencia externa de lo que observamos. Hemos de desentrañar cosas que, aún siendo reales, nos son veladas a menudo y no se presentan ante nosotros de forma comprensible o siquiera asumible.

La pintura puede entenderse como una manera de canalizar a través del arte toda clase de condicionantes sociales que nos afectan de forma cotidiana. Nuestras condiciones de vida tanto a nivel individual, en nuestra familia, como social, como miembros de un todo social, emergerán lo queramos o no en nuestra obra como productores. De este modo el artista puede trasladar a la realidad, mediante un cuadro, un impacto recibido desde un afuera que lo rodea e interpela.  

Podemos entender que la postura realista en pintura ha sido, desde los clásicos como Velázquez y Rembrandt, pasando por Courbet, Corot, Degas y hasta Lucien Freud, la de defender la realidad y su expresión por encima de los convencionalismos sociales. Decía Lucien Freud que él retrataba a las personas «no como creen que son, sino como son en realidad». La realidad puede mostrarnos cosas difíciles de asumir, hechos incómodos que es más fácil soslayar. Sin embargo, el compromiso del pintor realista es el de no idealizar aquello con lo que confronta, no proyectar sobre la realidad que le golpea una pátina que la suavice y oculte.

Desde el psicoanálisis se ha defendido la existencia de diversas instancias en torno a lo que quiere decir la realidad. Así pues, tenemos dos conceptos: lo real y la realidad. Lo real serían aquellos impactos, golpeos, que todo sujeto recibe desde un afuera del mismo. Sin embargo, lo real es preverbal, inconsciente, abrupto y a menudo incomprensible. Numerosos acontecimientos que nos ocurren a lo largo de nuestra vida a nivel individual, así como muchos hechos sociales que tienen lugar en el mundo en que vivimos, permanecen cubiertos bajo esta niebla. Esta tiniebla de lo no lingüístico, de lo no hablado ni representado, se presenta ante nosotros muy a menudo envolviendo hechos traumáticos o simplemente difíciles de aceptar.

El otro concepto al que se refiere el psicoanálisis es el de realidad. Aquí nos encontramos ya ante un constructo, algo que los seres humanos creamos a partir de una materia prima que los sentidos nos aportan y que permanece en lo inconsciente hasta que el lenguaje y la consciencia lo alumbran. La pintura puede ser un medio adecuado para trasladar todo aquello que nos marca y nos golpea en la vida a un lienzo, de tal manera que pueda ser así captado por otras personas.

El compromiso del artista debe nacer de esta concepción de la realidad. No se trata de copiar fotos, como podría entenderse desde una concepción más básica del realismo en pintura. El pintor ha de ser alguien comprometido con el entorno que le rodea, alguien atento a lo que se le presenta. El oído inconsciente del artista ha de permitirle absorber lo que le rodea y que, a menudo, permanece inadvertido y relegado al ámbito inconsciente. El pintor puede traer a la luz de la realidad lo que, aunque incómodo, no deja de ser real. Es un constructor, pero también un desvelador.

Así pues, el artista no puede limitarse a representar de forma fidedigna lo que podría captar una cámara fotográfica. No se trata de adecuarse a una realidad que consideramos verdadera, sino despojar lo que vemos de toda la bruma mental de convencionalismos y prejuicios que los envuelven. El Ser de las cosas se nos revela como entre sueños, de forma inconexa y a menudo oscura. Es tarea del artista servir de canalizador para que esos datos se conviertan en una obra que interpreta lo real, y le da una forma visible de modo claro y distinto. El artista ha de interpretar lo que le llega de un afuera que nos interroga a todos. Puede hacerlo porque tiene la capacidad de hacerlo y es libre para ello. Así pues, el pintor no actuaría de un modo pasivo, mecánico, inconsciente, sino libre y voluntario. Esto nos aleja de concebirlo como un mero transmisor de elementos que se alojan en él y brotan sin mediación alguna de la voluntad y, con ella, de la libertad humana. 

Hispanoamérica:

«El sincretismo hispanoamericano», óleo sobre lienzo, 116×81 cm., 2024.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

«El sincretismo hispanoamericano» (detalle).

«El sincretismo hispanoamericano» (detalle).

«El sincretismo hispanoamericano: El Cuzco», óleo sobre lienzo, 116×81 cm., 2024.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

«El sincretismo hispanoamericano: El Cuzco» (detalle).

«El sincretismo hispanoamericano: El Cuzco» (detalle).

«El tejido de la vida», óleo sobre lienzo, 55×46 cm., 2024.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

«Mujer andina», óleo sobre lienzo, 46×38 cm., 2024.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

Suiza, la Suisse, die Schweiz:

La familia de mi madre es originaria de Suiza por parte de mi abuelo. En la actualidad mantengo fuertes lazos con el país de mis ancestros, al que viajo con frecuencia. Parte de mi familia vive allí y otra gran parte lo ha hecho en el pasado. Somos una familia itinerante, que a lo largo de las generaciones se ha movido entre España y Suiza por diferentes circunstancias.

He realizado ya una exposición de 15 obras en la galería Prodo-Art de Rheinfelden (Aargau), entre el 22 de septiembre y el 4 de octubre de 2024. Está prevista otra para primavera en Laufenburg, a orillas del Rhin, también en el cantón de Aargau.

«Amanecer en Laufenburg», óleo sobre lienzo, 116×46 cm., 2024.

«Rapperswill-Jona, lago de Zürich», óleo sobre lienzo, 81×54 cm., 2024.

«La Creux du Van, Neuchâtel», óleo sobre lienzo, 73×54 cm., 2024.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

«El lago Lemán y el Castillo de Chillón», óleo sobre lienzo, 73×60 cm., 2024.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

«El Matterhorn visto desde Suiza», óleo sobre lienzo, 81×54 cm., 2024.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

«A orillas del lago de Neuchâtel», óleo sobre lienzo, 81×54 cm., 2024.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

«Engadina, Graubünden», óleo sobre lienzo, 81×54 cm., 2024.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

Paisaje pirenaico: Aguas tuertas, en el valle de Hecho (Huesca)

«Aguas Tuertas, Pirineo de Huesca», óleo sobre lienzo, 73×54 cm., 2024.

Atardeceres

Texturas de atrdecer», óleo sobre lienzo, 60×50 cm., 2023.

Vendido

«Texturas de atardecer», óleo sobre lienzo, 81×60 cm., 2023.

Vendido

«Texturas de atardecer», óleo sobre lienzo, 81×54 cm., 2023.

Vendido

Escritores, pintores, intelectuales.

«Paul Auster», óleo sobre lienzo, 41×33 cm., 2024.

El pintor en su taller, óleo sobre lienzo, 55×46 cm., 2023.

«Samuel Beckett: estudio de retrato», óleo sobre lienzo, 46×38 cm., 2023.

«Beckett: identidades en construcción», óleo sobre lienzo, 73×60 cm., 2023.

«Luis Landero», óleo sobre tabla, 40×30 cm., 2024.

Obra en la Colección privada de Adriana Osuna, en Ciudad de México.

«José Luis Sampedro», óleo sobre tabla, 40×30 cm., 2024

Obra donada a a la Biblioteca Municipal José Luis Sampedro de Madrid.

«Eduardo Mendoza», óleo sobre lienzo, 55×46 cm., 2024.

Dante Allighieri y la «Vita nuova»

«Dante ante la muerte», óleo sobre lienzo, 100 x 100 cm., 2023.

«Cortázar en Montmartre», óleo sobre lienzo, 55×46 cm., 2023.

«La Viena de ayer», óleo sobre lienzo, 55×46 cm., 2023.

Retrato del escritor austríaco Stefan Zweig, autor de «El mundo de ayer» («Die Welt von Gestern»). Vemos al intelectual ya maduro transportado a la Viena de los años 1910, en la que pasó su juventud. Pero ese mundo ya casi se ha desvanecido. Un mundo de tolerancia, riqueza cultural y cierto aire decadente en el seno del antiguo Imperio Austro-húngaro. El auge de los totalitarismos de los años 1930 va a acabar definitivamente con la tranquilidad de esta época.

«Martin Heidegger y Ernst Cassirer», grafito sobre papel, 35×50 cm., 2024.

En 1925, se produjo uno de los más importantes enfrentamientos dialécticos del período de Entreguerras. En la pequeña localidad suiza de Davos, coincidieron dos de los grandes pensadores alemanes de la época: Martin Heidegger y Ernst Cassirer. El primero representante del Irracionalismo romántico y conservador, el segundo del pensamiento ilustrado e humanista de raíz kantiana.

La inspiración para este cuadro fue la lectura de «La Montaña mágica», de Thomas Mann, de 1924.

La historia de «La Montaña mágica» transcurre en el Sanatorio de Davos, en el Cantón suizo de los grisones. A él acuden miembros de la alta burguesía europea, afectados todos ellos de diversas dolencias de raíz espiritual. Uno de los acontecimientos que en este lugar distinguido y decadente tiene lugar es el enfrentamiento dialéctico de dos visiones contrapuestas de la Humanidad. Se trata del Irracionalismo romántico de Leo Nafta (alter ego de Heidegger) y el Racionalismo humanista de Settembrini (alter ego de Cassirer).

El trasfondo histórico de la obra de Mann no es otro que la decadencia moral de Alemania desde que esta se unifica en 1871. En este momento, Alemania se abre al capitalismo anglosajón, en el que los valores morales de la burguesía empresarial luterana ya no tienen vigencia. La clase de empresarios a la vieja usanza, con unas fuertes convicciones religiosas y con un sentido paternal con relación a sus subordinados, se ve desplazada del nuevo entorno social del capitalismo anglosajón. Esta nueva versión del sistema acaba con los lazos humanos que unían a las personas a pesar de las diferencias sociales de clase y atemperaban así estas últimas. Un clima humanista, de paz social y de tolerancia se ve sustituido por otro, en el que el beneficio empresarial se impone por encima de cualquier responsabilidad moral.

La clase de empresarios alemanes de la vieja generación se retira entonces a una vida de terratenientes, se aísla del mundo y se convierte en mecenas y promotor cultural de la edad de oro de la cultura alemana. Este período prolífico de la cultura germánica abarca el período que sigue a la unificación de 1871, hasta el ascenso al poder de los nazis en 1933. Thomas Mann y Stefan Zweig son dos de los máximos exponentes de una burguesía ilustrada germánica, que retrata y vive en un mundo del que ya no se siente parte y en el que las cosas han tomado un rumbo acelerado y peligroso.

Pensadores y poetas como Friedrich Nietzsche, Martin Heidegger Friedrich Hölderlin o Ernst Jünger sustituyen a Kant y Goethe como educadores de la sociedad alemana y del resto de la órbita germánica. Los valores de la cultura, la reflexión y la templanza se ven desplazados por la fuerza y la resolución irracional como valores preponderantes de la nueva Alemania.

Desde el blanco y negro

«León Tolstoi: estudio de retrato en color», óleo sobre lienzo, 46×38 cm., 2023.

Obra pintada a partir de una fotografía en blanco y negro tomada en torno a 1905 al escritor ruso.

«Hegel», óleo sobre lienzo, 27×22 cm., 2023.

Vendido

Retrato del filósofo alemán a partir de un dibujo en blanco y negro del siglo XIX, una de las representaciones más fidedignas que se conservan de él.

Intelecto, corazón y manos

Las artes son en su origen modos de producir objetos mediante un saber hacer manual. Este es el sentido primigenio de la palabra arte en su versión latina: «ars», y también en la griega: «techné». Las manos y su capacidad productora, canalizadora, son algo que nos caracteriza como seres humanos. La capacidad de fabricar y usar herramientas complejas es un elemento que nos hace humanos al mismo nivel que la capacidad de pensamiento abstracto. Por este motivo, en el arte las manos y su capacidad elaboradora no deberían ser, a mi juicio, despreciadas en favor de una mera genialidad conceptual.

Durante el Renacimiento tuvo lugar un movimiento por el cual se reivindicaba la Pintura, la Escultura y la Arquitectura como artes intelectuales, que se elevaban por encima del nivel de los denostados oficios manuales. Esto se recogía en el dicho latino «ut pictura poiesis». La Pintura debía igualarse a la Poesía en lo que se refiere al nivel conceptual de esta última. Esta tendencia a la degradación de lo manual como algo propio de seres humanos primarios, básicos, ha continuado y se ha intensificado aún más a lo largo de la modernidad y de nuestra era contemporánea.

No quiero decir sin embargo con todo esto que las diferentes artes sean puramente equivalentes a la fabricación de objetos de forma manual. En la Pintura, a diferencia de lo que ocurre con la artesanía, hay una intención, una intelectualidad que trabaja para comunicar algo. Pero el medio para comunicarlo no es el usual, mediante el discurso hablado o escrito corriente, sino mediante las manos y su capacidad canalizadora.

El trabajo como ocio sagrado

En nuestras actuales sociedades el trabajo suele concebirse meramente como medio de obtención de un beneficio o del sustento para vivir. Esto tiene su raíz en la ética protestante que tiñe e impregna la sociedad capitalista desarrollada paralelamente a la Reforma Protestante. El pensamiento de Calvino es de importancia capital en este sentido, ya que mediante su doctrina de la Acreditación, induce a la acumulación de riqueza como medio de salvación. Así, mediante la obtención de beneficios económicos obtendríamos, según Calvino, un medio de acreditación ante Dios de cara a la salvación de nuestra alma. Esta doctrina religiosa está en la base de la pulsión acumulativa de la sociedad capitalista actual, que hunde sus raíces en la Reforma religiosa del siglo XVI.

Así pues, cualquier profesión que implique una realización personal y un compromiso con un modo de ser en el mundo quedaría excluida de lo que la ética capitalista, calvinista en su raíz, nos manda hacer. Sin embargo, el arte en general y la pintura en particular compromete a quien se dedica ella de tal manera que debe tomarse como una actividad en cierto modo sagrada. Algo así encontramos en la etimología de la palabra «sacerdocio». En latín, «otium» significa ocio, mientras que «sacer» es sagrado: el ocio sagrado. En las sociedades previas a nuestra era contemporánea, las clases dominantes, la aristocracia, el clero y más recientemente la Alta Burguesía, se diferenciaban del común de la población por el hecho de que tenían tiempo libre. Así ocurría en la Grecia de Platón, Aristóteles y Sócrates.

El artista, así como el intelectual, eran personas caracterizadas por su pertenencia a la clase de los que poseían tiempo libre, esto es, tiempo de ocio. Sin embargo, este carácter de lo ocioso no tiene por qué oponerse a cualquier tipo de trabajo. Si entendemos el trabajo en un sentido profesional, comprometido y no como un mero medio de supervivencia o enriquecimiento, el trabajo se aproxima mucho a lo que los antiguos llamaban ocio. La profesión del artista, como la del intelectual, tienen algo de sagrado, de un trabajo cuyo fin no se concreta en la subsistencia o el beneficio económico. En términos marxistas, se trata de un trabajo no alienante, que no cosifica y convierte en medio a quien se dedica a él, sino que lo ennoblece y dota de un sentido como individuo.

España y su cultura:

«Don Quijote con el yelmo de Mambrino», óleo sobre lienzo, 41×33 cm., 2024.

«Sancho Panza», óleo sobre lienzo, 41×33 cm., 2024.

«Paco de Lucía», óleo sobre lienzo, 41×33 cm., 2024.

«Camarón de la isla», grafito sobre papel, 29,5 x 35 cm., 2024.

José Tomás (2), óleo sobre lienzo, 41×33 cm., 2023.

Obra en la Colección privada de Paco Osanz, Madrid

José Tomás, óleo sobre lienzo, 46×33 cm., 2023.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

«Manolete en color», óleo sobre lienzo, 41×33 cm., 2023.

«La lucha», óleo sobre lienzo, 73×54 cm., 2023.

La tauromaquia: una aproximación antropológica.

El arte de la tauromaquia tiene una profunda relación con el animal totémico que es el toro en la tradición española. El toreo es una actividad con gran raigambre en la cultura española desde hace varios siglos. Sin embargo, convendría ver qué elementos intervienen en este arte para que haya arraigado con tanta fuerza en este caso en la cultura hispana a ambos lados del Atlántico. En el toreo existen elementos antropológicos de gran profundidad como son la relación con el animal totémico o la relación ritualizada con la muerte y el miedo a ésta. 

En numerosos pueblos del Planeta, según han descrito los antropólogos, existe una figura principal en el universo de creencias enraizadas en el entorno natural: el animal totémico. Esta figura divinizada no es otra cosa que el resultado de la ascensión de un animal a la categoría de divinidad. Este animal admirado y temido por un grupo humano pasa a formar parte del universo de creencias animistas de dicho grupo, transformándose en un tótem. Así, si en Papúa los cocodrilos son temidos, al mismo tiempo que admirados por su fuerza y nobleza, los seres humanos se hacen incisiones en el cuerpo para imitar las escamas del animal. En otros grupos humanos se han registrado numerosos vestigios de arte mueble y también de pinturas rupestres en las que el chamán de la tribu se disfraza con las pieles del animal totémico para mediar con el mundo de los espíritus. 

De este modo, la lucha que se da en el ruedo entre un ser humano y un toro no es otra cosa que la necesidad ancestral de los seres humanos por medirse con el animal al que admiran. El toro ocuparía el mismo lugar que tantos otros animales temidoscazados y admirados por la Humanidad a lo largo de su Historia. 

En otro orden de cosas, hay otra cuestión que es interesante tratar en lo que se refiere al arte del toreo: el miedo a la muerte y la forma de encararla. La especie humana es una de las pocas especies animales que tienen conciencia de la propia muerte y de la del resto de seres vivos. Esto hace que sientan un miedo cualitativamente distinto del miedo instintivo que hace a toda profesa huir del animal que la quiere cazar. El Ser Humano se sabe mortal y ha de conjurar ese miedo para soportar la propia existencia. En el ruedo, el torero encara la muerte con miedo y valentía a partes iguales. Si no tuviera miedo, el que se enfrenta al toro sería simplemente un inconsciente. Lo que precisamente exige valor es enfrentarse a u n animal tan poderoso siendo consciente de que se puede morir en la lucha.

Tierra extrañas: Siberia, Mongolia

«Dromedarios en el desierto del Gobi», óleo sobre lienzo, 116×54 cm., 2024.

«El cazador», óleo sobre lienzo, 46×38 cm., 2023.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

«La sabiduría de Siberia», óleo sobre lienzo, 55×46 cm., 2023.

Obra en la colección personal de Martin Breitenfeldt, pastor reformado en Laufenburg.

«La ternura de la Taiga», óleo sobre lienzo, 73×54 cm., 2023.

Obra en la Colección privada de Rosa Ojeda, Madrid.

Sobre el concepto de mundo. 

El mundo está desapareciendo. Esto no quiere decir que nuestro Planeta y ciudades estén dejando de existir en el plano físico. Se trata de otra cosa. Para entender este matiz es necesario recuperar a los clásicos griegos. 

El espacio y, en el aspecto humano, el mundo, era para Aristóteles lo que relaciona a los cuerpos entre sí. El espacio no es un entorno vacío en el que habitan los individuos. No somos átomos flotando en un espacio vacío.

La sociedad humana es ese espacio que crece entre los integrantes de una colectividad. El mundo emerge de las relaciones entre personas. Pero si no hay asociación, debate, relación, vínculos entre individuos, el mundo desaparece.

Exposición individual en la Academia de Pintura Decinti&Villalón (C/Santa Feliciana, 19, Madrid)

(octubre 2023-mayo 2024)

Artículo de Juan Carlos M. J. sobre la exposición «El Paisaje humano» en el diario Chamberí 30 días (9 de noviembre de 2023).

Aprendiendo de los maestros: sección de copias barrocas

Detalle del «Retrato de Johannes Wtenbogaert», de Remnbrandt (copia). Óleo sobre lienzo, 41×33 cm., 2023.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

Retrato de un hombre viejo en vestimenta militar». óleo sobre lienzo, 41×33 cm., 2023. Obra en la Colección privada de Luis González Echeverría, Madrid

Detalle del «Retrato de Nicolaes Ruts» (copia de Rembrandt). Óleo sobre lienzo, 46×38 cm., 2023.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

Detallle de «Old woman and boy with candles», de Rubens (copia). Óleo sobre lienzo, 46×38 cm., 2023.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

Detalle del » San Ambrosio» de Rubens (copia). Óleo sobre lienzo, 46×38 cm., 2023.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

Detalle del «Retrato de Helena Fourment», Rubens (copia). Óleo sobre lienzo, 55×46 cm., 2023.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

Detalle del «Retrato de Helena Fourment», Rubens (copia). Óleo sobre lienzo, 55×46 cm., 2023.

Obra expuesta en el extranjero: Rheinfelden, Laufenburg (Suiza).

Detalle de «Demócrito, Heráclito y Timón, Rubens (copia). Óleo sobre lienzo, 55×46 cm., 2024.

Arte y memoria

En el ensayo Prefacio a Platón, Erick A. Havelock expone la idea de que la principal función del arte desde la Antigüedad ha sido la de facilitar la memorización de una serie de valores morales en un pueblo. No en vano, al hablar de las nueve musas, Hesíodo sitúa a Mnemósyne, musa de la memoria, como la principal de todas ellas, remarcando, a juicio de Havelock, la preeminencia de la memoria en el arte como su principal función cultural. 

La identidad de un pueblo, de una colectividad, reside en la conservación de su memoria. Las historias, contadas por los poetas o por los pintores, vertebran la identidad de una colectividad.

¿Qué es lo que nos hace humanos? La capacidad de contar historias, de abstraer los rasgos principales de una historia para hallar su significado, estas nos hacen formar parte de una colectividad y gracias a ello ser seres humanos completos. 

En su obra La condición humana , Hanna Arendt habla de los elementos que son condición por la cual (conditio per quam) somos humanos y de aquellos elementos sin los cuales (sine qua non) no habrá que ser humanos. Los primeros son aquellas capacidades que nos definen como especie: el lenguaje, la creación artística y artesanal, la capacidad de pensamiento abstracto y la constitución de lazos comunitarios mediante estas. Las condiciones  sine qua non de la Humanidad son elementos de carácter más práctico, que no definen lo que es ser humano, pero sin las cuales no llegamos a serlo. 

En la sociedad de consumo en la que vivimos, sin embargo, las condiciones por las cuales llegamos a ser seres humanos plenos están en decadencia. Así, la producción artística, el pensamiento abstracto, y en general toda actividad en la que medien el lenguaje y el pensamiento y que nos desarrollan como personas, están relegadas a un segundo plano. Son sistemáticamente menospreciadas en los planes de estudios y en los valores de un sistema que sólo premia aquello que da un beneficio económico inmediato. 

Si nos desprendemos definitivamente de todos estos elementos que nos permiten realizarnos como personas de forma plena, corremos serios riesgos a nivel antropológico. En una sociedad cada vez más mediatizada por el unoverso digital, podemos convertirnos en meros terminales de sistemas digitales y algorítmicos de inteligencia artificial, como ya son las redes sociales más usadas. En nuestro atadompode ocio, lo que hacemos en realidad es producir, trabajar para estas redes sociales (Tik Tok, Instagram, Faceboook)… de forma no remunerada. Pero deberíamos preguntarnos qué nos aportan exactamente estas actividades. 

Incursiones mitológicas:

Naufragio en la isla de los gigantes, óleo sobre lienzo, 70 x 70 cm

Una alusión a la «Odisea» de Homero. El «Coloso» de Goya inspira a este gigante que acecha a Ulises en su viaje.

En la Escuela: Decinti&Villalón, Chamberí (Madrid)

«Tras los ojos del pintor», óleo sobre lienzo, 100 x 81 cm., 2022.

Obra seleccionada en el Catálogo oficial Modportrait 2022.

Uno de mis maestros, el pintor Alejandro De Cinti en el portal de su academia, Decinti-Villalón, en el madrileño barrio de Chamberí.

Entorno al concepto de comunidad

En mi obra como pintor procuro transmitir a otros lo que veo en el mundo en el que vivo. Puedo hacerlo a través de un paisaje, de un retrato… Pero la función principal del arte, a mi modo de ver, debería ser el poner a los seres humanos en relación los unos con los otros. El arte genera comunidad. En un mundo en el que se ha vuelto norma el aislamiento de los individuos, esta función del arte, y en lo que a mí me toca de la pintura, se revela crucial. El mundo que nos rodea ha de ser pensable, verbalizable, representable. Cuando no lo es se convierte en algo traumático. La búsqueda de sentido es algo connatural a todo ser humano. Para ello interpretamos, de muy diversos modos, la realidad que nos circunda e interpela. Las diferentes artes son un excelente modo para cumplir esta necesidad básica.

No obstante, en este mundo acelerado, plagado de shocks y carente de una narrativa comprensible para sus habitantes, es complicado comunicarse con otras personas mediante el arte. Decía Walter Benjamin que los hechos se nos presentaban (a principios del siglo pasado) de forma traumática, en forma de shocks. Este bombardeo continuo de episodios aislados y difícilmente comprensibles impide la asimilación de la realidad en que vivimos. Sin embargo, las obras de arte requieren una elaboración que se toma su tiempo. Así, en una novela, un ensayo, un cuadro, un autor puede volcar una visión del mundo.

Esto implica una toma de postura, una reflexión y una labor de creación o producción que permite la comprensión de nuestro mundo. En términos del filósofo Paul Ricoeur, nos falta trama, un algo que vertebre nuestra realidad, entendida esta última como constructo lingüístico. Cuando el Hombre no dispone de un relato, de una trama argumental, que proyectar sobre el mundo, se encuentra perdido. Nos estamos quedando sin relatos, y eso es muy malo.

También en relación con esta necesidad de comunicarnos a través del arte, una cuestión acuciante es el aislamiento creciente que se da en nuestra sociedad. La miseria era para los romanos algo que tenía que ver con el hecho de haber sido expulsado de una sociedad. Del latín «mitto» viene el participio de pasado «missus», que significa enviado y, también, expulsado. ¿Qué miseria puede ser más grande que la de aquel que se encuentra desgajado, desarraigado de su grupo social de pertenencia? Son pobres, pero no porque pasen hambre. Esto decía Benjamin de los soldados que regresaban de las trincheras tras la Primera Guerra Mundial. Tras los traumas sufridos, el lenguaje no lograba representar lo vivido.

Actualmente podría decirse que padecemos el hambre espiritual del que carece de relatos para contar su realidad. No tenemos tiempo (o no nos dejan tenerlo) para poder hilvanar un discurso sobre lo que vivimos. Vivimos atestados de noticias inconexas que nos impiden pensar demasiado en lo que se nos cuenta, porque se nos hurta el tiempo para hacerlo. Además, el poder de sobreestimulación que ejercen sobre nosotros las redes sociales retiene nuestra atención, impidiéndola pararse a pensar. No tenemos tiempo. Sin embargo, estas pseudo-noticias no explicadas ni razonadas no nos informan, sólo nos distraen. Nos distraen porque no consiguen ni pretenden transmitirnos una información sobre una realidad que podamos comprender, aunque sea parcialmente.

Por todo esto el arte es tan necesario en estos tiempos. El arte puede poner en relación a unas personas con otras a través de un relato que nos vincula. Hablamos del mundo, y así lo entendemos y habitamos. Esta debería ser la función de un profesional del arte, en el sentido en el que nos hemos referido a la palabra «profesional» más arriba.

Los lazos que unen a una comunidad son simbólicos, más que de ningún otro tipo. Estos lazos los proporcionaba el poeta en los tiempos de la Grecia de Homero: aquél que narraba las historias de los antepasados. El narrador inculcaba valores contenidos en sus historias. Pero también contaba a sus oyentes cómo nació el Mundo y cómo eran las cosas. Esa función de intérprete de la realidad ante una sociedad es la que, a mi modo de ver, debería retomar el artista contemporáneo.

El poeta era en la Antigua Grecia un vertebrador social de primer orden. En la actualidad, por el contrario, nos encontramos a menudo con obras de artistas que sólo buscan un efecto chocante, rompedor y, en definitiva, vendible. No generan narración, trama, no hablan del mundo, tan solo generan productos de consumo. No se trata tampoco de que el artista moralice sobre cómo debe ser nuestro mundo, tan sólo debería ser, a mi juicio, honesto con lo que ve. Aportar un punto de vista, la resonancia que en él tiene lo que ve.

Familia

Adela Sánchez Reyes, mi abuela, a sus 92 años.

«Buenos días», 81×65 cm., 2023.

Obra seleccionada en el Catálogo oficial Modportrait 2023 y para la On line Almenara Art Prize Exhibition 2023.

Otros tiempos: Adela y Cuéllar

Viendo los Toros. Cuéllar, 1952. 2022. Óleo sobre lienzo. 81 x 65 cm.
Obra en exposición

Amargura, óleo sobre lienzo, 120×100 cm., 2022.

La familia Sánchez Reyes en 1935.

Abajo a la derecha, la pequeña Adela. Tras perder al primero de sus hijos, Ana Reyes se resigna a un futuro poco prometedor y a una cárcel de la que es muy difícil salir: el matrimonio.

Obra en exposición

Castilla

«El paso del tiempo en Covarrubias», óleo sobre lienzo, 65×54 cm., 2022.